Tabagismo na arte pictórica

O Tabagismo na arte pictórica

                 A arte pictórica começou a interessar-se pela fumaça do tabaco após a descoberta da América em 1492, quando começou, ainda que com eventos alternativos, sua difusão inarredável na sociedade europeia. Na prática, a figura do fumante na arte pictórica sofre uma operação de elevação espiritual e aparece mitificada, nobre e magnificada.  Portanto, as mensagens referentes à fumaça do tabaco, veiculadas através das obras pictóricas dos grandes artistas, contribuíram e influenciaram o comportamento dos usuários do tabaco em todas as suas formas. Não temos a presença do tabaco em pinturas pictóricas antes do século XVI, visto que, o tabaco entrou na Europa após a descoberta da América. Mas, mesmo depois de sua introdução no continente europeu por Jean Nicot, a fumaça do tabaco era difícil de ser representada em obras de arte de grande valor artístico. Os primeiros trabalhos sobre a fumaça do tabaco eram de fato de importância artística modesta, pois as obras não haviam sido encomendadas por nobres ou clérigos.
Os primeiros trabalhos sobre o tema foram apresentados por artistas holandeses numa época em que o comércio, as ciências e as artes desfrutavam na Europa de uma ampla apreciação. Entre estes artistas, relacionados ao pioneirismo em relação às representações de temas dedicados à fumaça do tabaco, podemos citar as obras de Adriaen Brouwer e os irmãos Abraham e Teniers David, como as mais conhecidas.
Adriaen Brouwer (1605-1638), foi um pintor flamengo. Na famosa foto “The Smoker”, um sujeito é mostrado fumando um cachimbo em um ambiente muito esfumaçado. Ele segura um longo cachimbo branco e um copo de vinho nos braços. As imagens de fumar, a partir desse período, muitas vezes retratam a pobreza de dentro de suas casas miseráveis ou locais de entretenimento, como tabernas, ou durante as festas camponesas, todos os personagens, às vezes, visivelmente alcoolizados.

TH. Endrik der Brugghen (1588-1629), foi um pintor popular holandês. Depois de uma longa estadia na Itália que durou cerca de 10 anos – onde ficou fascinado pelas obras de pintores italianos, particularmente Caravaggio – ele retornou a Utrecht e começou a representar populações, bebedores e particularmente músicos como: a jovem mulher com o alaúde, o flautista, o concerto, o fumante de cachimbo. Sob a influência de Caravaggio outras pinturas também foram produzidas com base na religião como: “O Cro-cifissione com a Virgem e São João”, em que ele utilizava um raio intenso de luz e sombra dramática. Em suma, ao contrário dos outros pintores flamengos, ele produziu pinturas típicas dos países da cultura católica, onde as representações predominantes tinham um fundo religioso e mitológico.

Hogarth William (1697-1764), foi um pintor inglês que compôs suas pinturas como se fossem performances teatrais; suas pinturas são, portanto, semelhantes a um palco em que os atores, com seus gestos articulados fumando um cachimbo, combinam os momentos mais comuns da vida cotidiana: casamento, assembleias e vida política.
“O trabalho da convicção” é uma pintura de William Hogarth, pertencente ao ciclo de 4 pinturas intituladas “A campanha eleitoral”, feita em 1754 com a técnica do petróleo; Mede,101,5 x 127 cm e é mantido no Museu do Soane em Londres. A pintura também é conhecida como “solicitação de votos” e “visita do candidato”. A cena é abrigada em uma pequena praça com uma cervejaria e uma taverna. Na parte inferior há outra taberna para os simpatizantes da parte adversa. Na porta da pousada em primeiro plano, o dono está contando as moedas. No centro, um agricultor do interior é levado pelos gerentes das duas pousadas. Na área certa, no balcão da cervejaria, 2 sujeitos discutem, fumam um cachimbo longo e bebem.

Com o passar do tempo, os trabalhos na fumaça do tabaco não estão mais definidos nas tabernas, local de lazer e diversão, mas em cafés, um lugar de encontro, reflexão, alívio e compartilhando os muitos problemas da vida social; em outras palavras, são apresentados personagens que frequentam os salões intelectuais. Então cenas de diálogo e trocas de opinião são representadas nos bons salões da cidade ou nos cafés, onde as pessoas discutem bebida e fumaça.
Mas no século XVII também sugere a ideia que liga o fumar para a transitoriedade e a passagem do tempo, de modo que o fumo entra como simbolismo na vida diária, tendo como tema de pinturas de vanitas, que é como dizer que tudo é vaidade. O nome vanitas vem da expressão latina, vem da Bíblia hebraica e cristã “vanitas vanitatum et omnia vanitas” (vaidade das vaidades, tudo é vaidade). É basicamente um ligeiro aviso para a transitoriedade da existência humana.
Este gênero pictórico teve a sua expressão mais elevada, especialmente nos pintores dos países baixos e está relacionado com o sentido de precariedade da vida humana e que afetou toda a Europa após a Guerra dos Trinta Anos (1618-1648) e a propagação de epidemias de peste. Em suma, os crânios, a vela apagada, o silêncio dos instrumentos musicais, a ampulheta, o relógio, a concha, os canos, tornaram-se símbolos da transitoriedade e da vaidade das coisas humanas.

Nos séculos seguintes há muitos trabalhos que retratam personagens no ato de fumar e que usam uma série de acessórios preciosos e elegantes, em particular a peça de Degas, Manet, Renoir, Van Gogh, Cézanne, Picas, Dali, Botero e, Guttuso que os representantes mais ilustres da pintura dos séculos XIX, XX, XXI, têm todos os caracteres dos que fumam. Acredita-se que o fumo de tabaco tinha um poder mágico e encantador, capaz de aliviar o sofrimento humano; a alma é como um filho animado pela envolvente “rede móvel e ‘espiral de fumaça de tabaco’ azul pálido em chamas”

Edgar Degas (Paris 1834-1917) foi um pintor e escultor francês. A maioria de seus trabalhos pode ser atribuída ao movimento do Impressionismo, nascido na França nos anos sessenta do século XIX em reação à pintura acadêmica da época. Na ópera ” Absinthe”, óleo sobre tela de 1875-1876, exibido no Musée d’Orsay, em Paris, Degas mostra todo seu amor pelos vislumbres da vida cotidiana da época. Com “O absinto” introduz-nos no interior do Café-Nouvelles Athènes, um dos mais frequentados da época. No local, grosseiramente decorado uma mulher esbelta é representada, sentada a uma mesa, com uma expressão de desconforto e uma xícara de absinto na frente. Próximo a ela está um personagem, corpulento e desleixado, que não parece interessado na mulher e fuma seu cachimbo com seu olhar perdido no vazio; ele parece visivelmente bêbado, mesmo solitário, com sua caneca de vinho na frente.

Édouard Manet (1832-1883), criou numerosas obras que retratavam interiores de tavernas ou cafés, as ruas ou estações de Paris, com personalidades da vida social da cidade no século XIX; eles são personagens que bebem, fumam, ouvem música ou leem. As pinturas que tratam das várias atividades da burguesia, como bolas mascaradas ou raças campestres, são bem conhecidas. Na foto intitulada “Uma boa caneca de cerveja”, um velho cavalheiro é representado sentado em um bar com uma caneca de cerveja e fumando um cachimbo. Na prática, em Monet, em muitas ocasiões, o consumo de cachimbo e cerveja tem sido uma fonte de inspiração.

Em outro quadro, Monet agradece seu amigo o escritor Stéphane Mallarmé. O poeta tinha elogiado sua pintura considerando-a como o maior expoente do impressionismo. Monet, como gratidão, pintou seu retrato. O poeta é retratado em uma pose muito natural, enquanto em linha, a mão esquerda no bolso da jaqueta e com a mão direita vira as páginas de um livro, tendo em entre os dedos indicador e médio um charuto aceso.

Vincent Van Gogh (1853- 1890), pintor holandês, teve uma vida muito conturbada devido a uma grave doença psiquiátrica. Ele era um grande fumante de cachimbo, a tal ponto que foi muitas vezes auto-retratado fumando, cujas telas mais bonitas parecem ser aquelas pintadas enquanto ele fuma.

O amor por fumar e o cachimbo sempre estiveram presentes na obra de Vincent van Gogh: a pintura “A cadeira amarela”, Van Gogh descreveu-a como “uma cadeira de madeira, com um assento de vime, tudo amarelo num chão com pia-strelle rossi e com um cachimbo e um saco de tabaco “.

Infelizmente, a grave doença mental não lhe permitiu longos períodos de bem-estar, em um desses períodos e, precisamente, algumas semanas depois de ser admitido no hospital, ele conseguiu pintar seu famoso “Autoretrato com ouvido e cachimbo enfaixados”. Ele o retrata em uma atitude extraordinariamente calma e pacífica.
A história da orelha cortada é controversa; na verdade, alguns dizem que Van Gogh é vítima de um episódio de paixão, cortou metade da orelha esquerda, envolveu-a e entregou-a a uma prostituta de bordel que era frequentado por Van Gogh e seu desafeto Paul Gauguin. Outros historiadores como Hans Kaufmann e Rita Wildegans de Hamburgo dizem no livro “A orelha de Van Gogh, e o pacto de silêncio” que foi Paul Gaughin que mutilou Van Gogh depois de uma briga furiosa.

Na época, em que prevaleceu o charme da calma fumante e pacífica, assumiu a partir do período de desilusão, pintou a obra “Crânio com cigarro aceso” Esse trabalho foi realizado por Van Gogh em um desses períodos, quando a saúde era mais frágil devido não apenas aos problemas de saúde mental, mas também a muitos outros problemas físicos, problemas gástricos e dentários. O trabalho mostra um crânio, que é o símbolo universal da morte e reflete suas preocupações sobre seu estado de saúde e consciência da passagem do tempo e da fugacidade da vida.

Paul Cézanne (1839-1906), foi um pintor francês de origem italiana, que foi bastante mencionado nas representações pictóricas dos fumantes. Entre 1890 e 1892, ele realizou uma dezena de estudos preparatórios sobre fumantes. Diz-se que uma dessas pinturas foi vendida em 2012 por cerca de 20 milhões de dólares. Nestas obras aparecem figuras únicas, que são geralmente do sexo masculino e fumando um cachimbo, como da ópera “Il Fumeiro” sub exposta.

Pablo Ruiz y Picasso (Málaga, 1881- Mougins, 1973) foi um pintor, escultor, litógrafo e ceramista espanhol mundialmente renomado; ele é considerado um dos protagonistas mais famosos da pintura do século XX. Em relação ao fumo do tabaco, Pablo Picasso não só fumou, mas afirmou que ” Fumar e pintar são todos um”. Já com a idade de 20 anos, isto é, em 1901, pintou a ópera “Mulher com cigarro”, que retrata uma mulher solteira, parecendo triste e melancólica com um cigarro ainda na mão. A mulher é representada em um quadro psicológico como se estivesse à espera de alguém ou algo ou como se estivesse resignada com algo. Este trabalho foi pintado durante o chamado período azul, período em que Picasso se concentrou na produção de obras nas quais prevaleciam os tons de azul.

Nestes trabalhos de período azul, Picasso explorou o colorido turquesa para expressar a angústia e tristeza sem esperança de alguns personagens como mendigos, andarilhos, que é tudo que possamos imaginar de marginalização humana.
O período azul vai de 1901 a 1904 e caracteriza-se pelo o uso das cores azul e turquesa, cores frias e impessoais, adequadas para a representação de pessoas pertencentes às categorias mais baixas na sociedade. Picasso atribui ao azul uma dimensão sagrada. Seu olhar diante do sofrimento, da miséria e da morte é sublimado pelo azul. Cor ao mesmo tempo bonita e cruel.

Em 1903 ele criou o Retrato de Benet Soler. O assunto do retrato é relacionado a um dos seus amigos de Barcelona. A atmosfera da tela é escura e o protagonista apresenta uma expressão ausente e melancólica enquanto fuma um longo cachimbo. A história de Benet Soler é uma obra criada em 1903 pelo pintor espanhol Pablo Picasso. Este trabalho feito com óleo sobre tela e medindo 100 cm x 70. Ela afeta a atmosfera sombria da tela e a melancolia habitual que transparece a expressão do protagonista ausente e o rosto pálido e nervoso.

“Retrato de Benet Soler”. O trabalho mede 100×70 cm. É mantido no Museu Hermitage em St. Peterburg, Rússia Fotografia de Gennarino Borrello.

No trabalho nos tons de cinza da pele do menino, que faz nos pensar em um assunto doentio, ele claramente contrasta a cor rosa da coroa e a cor azul do vestido.
Depois desses períodos pictóricos, Picasso questiona os conceitos tradicionais da arte pictórica e avança para o cubismo. Com o cubismo, ele renuncia à representação figurativa clássica e afirma uma nova maneira de perceber a realidade. Com esta nova técnica, em 1914, Picasso, sobre o tema da fumaça do tabaco, pintou “O fumante”, que é um exemplo típico de “colagem cubista”, ou seja, uma pintura feita com áreas pintadas e uma colagem de pedaços de papel e de tecido. Neste trabalho as cores são combinadas e os tons de cor são bem combinados com o tabaco, e a figura representada, não aparece como figura humana. Além disso, o cachimbo e o pacote de tabaco nessas pinturas são representados por formas geométricas. Em 1968, Picasso pintou o “Cavaliere con Pipa” com uma técnica, que mais uma vez relata como cubista. O “Cavailire con pipa” foi comprado em um leilão da Sotheby’s por 30,9 milhões de dólares a partir de uma base de leilões de 18 milhões.
A fase cubista de Picasso durou cerca de 10 anos, isto é, de 1910 a 1917, quando houve uma inversão total de seu estilo, ao abandonar a experimentação para passar para uma pintura mais tradicional. Seu retorno à arte figurativa clássica precedeu por alguns anos um fenômeno semelhante que se espalhou por toda a Europa, depois de meados da década de 1920, marcando assim o fim de todos os movimentos e correntes de experimentação de formas inovadoras, tanto em campo pictórico, como literário e musical, que é artístico em geral.

Salvador Dali (1904 -1989) foi um pintor espanhol do surreal e do mundo dos sonhos, nascido em Figueras (Espanha) em 1904. Quando adolescente exibiu algumas pinturas no teatro municipal de sua cidade, recebendo uma apreciação significativa da crítica. Em 1921, ele se matriculou na Academia de Belas Artes de San Fernando, em Madri, onde se tornou amigo do diretor Luis Buñuel e do poeta Federico García Lorca. No ano seguinte, ele ficou em Paris, onde conheceu Pablo Picasso. Sua primeira obra pictórica é imbuída de influências futuristas e cubistas e, acima de tudo, do trabalho de Giorgio De Chirico. Nos anos seguintes, sua associação artística e intelectual com Garcia Lorca e Luis Buñuel produziu algumas obras teatrais e cinematográficas, como os dois famosos filmes “Un chien andalou” e “L’âge d’or”.
No trabalho pictórico a seguir, Auto-Retrato de 1921, uma das suas primeiras obras, temos que considerar que ele tinha apenas 17 anos e seu trabalho tem uma característica de tomar uma forma que mistura proporcionalmente o brilho equilibrado com o delírio, aspectos que caracteriza toda a sua obra.

Salvador Dali: Auto-retrato, 1921 Salvatore Salvador Foundation, Figueras, Espanha.

Lucian Freud, um pintor alemão naturalizado inglês, era neto do famoso psicanalista austríaco Sigmund Freud, nasceu em 1922 em Berlim (Alemanha) e morreu em Londres em 2011. Foi um dos maiores retratistas e gravuristas da segunda metade do século passado. Os rostos de seus personagens são retratados com um realismo neo-expressionista. Em suas pinturas ele retratou, com uma atenção quase maníaca, os corpos nus de seus muitos modelos. Quanto às representações sobre o tabagismo, ele distingue “The Man in Smoke”, no qual ele representa uma pessoa fumando um cachimbo. No retrato de 1950 intitulado “Boy Who Was”, Lucian Freud mostra um jovem fumando um cigarro.

Lucian Freud (1922-2011): Menino que fuma, 1950-1951.

Fernando Botero Angulo nasceu em Medellín, Colômbia em 1932. Aos 16 anos, ele já descrevia suas ilustrações para os suplementos do jornal mais importante de sua cidade natal, “El Colombiano”. Em 1948 expôs pela primeira vez em Medellín, e em 1951 o primeiro “pessoal” em Bogotá. Segundo Botero, a arte deve dar ao homem momentos de felicidade, deve ser um refúgio de existência extraordinária, paralelo à vida cotidiana. Característica de sua pintura é a redondeza incomum de seus personagens, que adquirem formas incomuns, quase irreais.
Uma vez que representações pictóricas sobre a fumaça do tabaco estão presentes em todas as imagens do Impressionismo até os dias atuais, Botero também retratou tanto sujeitos masculinos quanto femininos no ato de fumar. Alguns exemplos de trabalhos que retratam mulheres fumantes são “La Colombiana” e “La Spagnola“. A ópera “La Spagnola”, representada abaixo, foi realizada em 1986 e mostra uma jovem fumando um cigarro.

Fernando Botero (1932): “La Spagnola”, 1986.

Pierre-Auguste Renoir nasceu em Limoges, na França, em 1841. Mudou-se com a família para Paris em 1845 onde estudou inicialmente pintura em porcelana. Mais tarde frequentou a escola de Charles Gleyre, onde conheceu Bazille, Sisley, Monet e Pissaro. Ele teve seu primeiro sucesso em 1868 com as suas obras de estilo impressionista, ou seja, durante a Exposição dos impressionistas em 1874. Em 1881 viaja para a Itália e aprimora seu estilo impressionista. É considerado um dos maiores expoentes do pictorialismo neoclássico. Em 1883 ele começou a desenvolver um estilo mais livre e pessoal. Em 1903 devido a artrite, por razões climáticas, foi morar no sul da França. No entanto, a doença obrigou-o à imobilidade, por isso acabou numa cadeira de rodas, mas não o impediu de continuar a pintar com pincéis de cabo comprido. Renoir gostava de pintar com cores vivas que davam à pintura uma sensação de alegria. Cercava com as suas obras para espalhar a alegria de viver, pintura em particular de frutas, jardins, flores, mulheres e crianças. Os personagens retratados em suas obras se destacam contra o pano de fundo, mas ao mesmo tempo eles se fundem a ele, em outras palavras, as sombras são criadas criando uma sombra que é apenas mais escura que a do sujeito. No “Homem nas escadas” observamos a figura de um homem elegante, que desce as escadas enquanto sereno e despreocupado fuma um cigarro e se deixa envolver pela fumaça produzida por ele.

Augusto Renoir (2841-1919) “Homem nas escadas”, óleo sobre tela Museu Hermitage, St. Peter-burgo, Rússia. Fotografia de Gennarino Borrello.

Alejandro Pereyra, nascido em San Isidro, Buenos Aires em 1970, tem desenvolvido nos últimos anos, a sua paixão para a técnica de “papier colle”, ou seja, uma técnica da colagem que envolve a justaposição de pedaços de papel feitos a partir de periódicos ou cartazes publicitários de todo o mundo .Em resumo, é um pintor que pinta, adotando a técnica dos cubistas, como Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris e Mimmo Rotella, que usou pedaços de papel de várias origens e colou-os com conhecimentos sobre o você. Pereira concebe os rostos de pessoas famosas como Marilyn Monroe, Sophia Loren, Pasolini, Mastroianni, Che Guevara, Julio Cortázar, Totò, Massimo Troisi, Grucho Marx, só com a união de peças de jornais. No exemplo abaixo o trabalho, realizado com a técnica de colagem, é representado Grucho Marx, ator cômico e escritor, com seu charuto amado e enorme que usou, assim como na vida privada, quase como um instrumento de palco.

Alejandro Pereira, pintor argentino. A ópera “Groucho Marx” é exibida na “L’osteria dei sassi” em Matera.

Josias Cavalcante

2 thoughts on “Tabagismo na arte pictórica

  1. É extremante prazeroso depararmo-nos com um texto que expõe a arte de forma tão densa e tão elucidativa. Meus parabéns.
    Toda pintura possui uma mensagem que pode ser captada em sua essência. É consabido que a leitura da arte é fisiológica, etnográfica e psicológica e, portanto, altamente subjetiva, já que os elementos variam de acordo com a pessoa. E há ainda que se considerar que a visão do mundo de quem admira uma tela chega a ela filtrada pela sensibilidade estética do criador daquele referenciado mundo.
    O universo concebido pelo autor, Dr. Josias, com inúmeros livros publicados sobre o tema tabaco, casa com muita elucidação ambas as vertentes: cigarro e a arte pictórica.
    É prazeroso observar a junção do tema cigarro convertido nas telas de pintores famosos, como Adrien Brouwer, Hogart William, Edgar Degas, Edouard Monet, Vicent Van Gogh, Paul Cezanne, Salvador Dali, Picasso e outros. E imagino a extensão da acurada pesquisa, com resultados primorosamente excelente. Admirável. Mesmo.
    Agradeço ter mencionado meu nome. Sou aficcionada pelas artes, que seduzem, arrebatam e nos aprofundam

  2. Oscar Wilde afirmava que a vida imita a arte muito mais do que a arte imita a vida (frase do ensaio: A decadência da mentira). Para Aristóteles, a arte imita a vida.
    Então quem teria razão? Em verdade, a arte é um paradoxo, assumindo diferentes matizes ao longo da história humana, ocupando-a espaços multifacetados que traduzem cada fase da humanidade. É a cultura de um povo circunscrita ao tempo e ao lugar. É a vigência emotiva de um ser.
    O referenciado artigo traduz-se numa pesquisa exaustiva, primorosa e admirável. Parabéns.

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